Freitag, 28. April 2017

Gain-Staging - Über die Standard-Volumenfader Einstellungen in DAWs

Ich möchte hier einen Punkt ansprechen, der bei meinen Tracks mir bisher Ärger bzw. Probleme bereitet hat:
die Lautstärke/Volume/Gain-Einstellungen in den DAW-Programmen.
Wenn ich ein neues Projekt anlege, dann sind im Mixer alle Fader auf "0" gestellt (z.B. in Cubase, wo die Maximal-Lautstärke des Faders bis +6 geht). Ohne jetzt auf die technischen Details herumzureiten kann man getrost sagen:
1) Die Standard-Einstellungen der Lautstärken/Fader im Mixer sind grundlegend zu laut, wenn im Projekt mehrere Spuren genutzt werden (was meistens der Fall ist).
Grund: Einfache Mathematik: habe ich zwei Spuren/Signale, dann summiert sich die Lautstärke. Bei 10 Spuren schlägt der Master-Fader eigentlich immer Alarm - nur den Master-Fader runterziehen ist da keine Lösung. Da die Programme intern die Summierung berechnen, müssen schon vor der Summierung die Lautstärken der einzelnen Signale verringert werden.
Lösung: Speichert euch Mixer-Scenes oder Dokument-/Projekt-Vorlagen (wenn möglich) in denen die Lautstärken aller Spuren/Fader mindestens auf -6 dB sind - je nach Anzahl der Spuren (>16) sind eher -9dB oder -12 dB besser.
2) In die Insert-Effekte gehen die Signale der Audio-Spur "volle Pulle" rein - und das ist nicht immer gut so.
Grund: Während einige Hersteller diese Aspekt in der Entwicklung berücksichtigen, die haben einen Input-Regler. Plugins ohne Input-Reglern klingen schnell dünn oder generell leblos.
Grund: Das liegt an der internen Verarbeitung der Signale. Wenn das Signal zu "heiß" ins Plugin geht, hat - einfach gesagt - der Effekt der noch "on top" drauf gerechnet wird - zu wenig Platz (einfach ausgedrückt - ist fachlich nicht ganz korrekt). Andere Plugins simulieren auch die Sättigung des Einganges echter Endgeräte - ein "heißes" Signal erzeugt dann leichte Verzerrungen schon direkt beim Eingang (es wird dann ein am Eingang liegender Audio-Übertrager (https://de.wikipedia.org/wiki/%C3%9Cbertrager) simuliert).
Lösung: Entweder man zieht die Lautstärke der eigentlichen Aufnahme direkt im aufgezeichneten Audiosignal herunter (geht nicht bei allen DAWs) oder man nutzt als aller ersten Insert-Effekt ein Gain-Plugin zur Reduzierung - wie z.B. das preFIX-Plugin von varietyofsounds (https://varietyofsound.wordpress.com/…/…/prefix-1-0-out-now/).
3) Summierung in Gruppen: Bevor die Einzelspuren an den Master-Fader / Main Stereo-Out gehen, sollten die Signale in einer Gruppe zusammengefasst werden. Ein Kompressor mit leichter Komprimierung auf der Gruppe erzeugt einen homogeneren Klang (Tipp: https://cytomic.com/glue ($99) oder https://varietyofsound.wordpress.com/vst-effects/ Density mkII (free)). Ein Limiter (http://loudmax.blogspot.de/) pro Gruppe fängt dann die stärksten Spitzen der Signale ab. Und bei konsequenter Nutzung von Gruppen reduziert man die Anzahl der Lautstärke-Regler, die man für den Endmix im Blick/Ohr haben muss.

Donnerstag, 19. Januar 2017

Aktuelle Übersicht MIDI Piano Module


Aufgrund der steigenden Qualität von VST-Instrumenten sinkt leider auch die Anzahl der neu veröffentlichten MIDI Piano Module. Zudem gibt es im Internet keine wirklich gute Übersicht der Piano-Module. Daher habe ich mal kurz eine Liste als Übersicht zusammengestellt.

Hersteller Bezeichner Jahr Preis PDF Manual
Korg P3 1988 99 € (ebay) PDF-Manual
E-MU Proformance 1990 200 € PDF-Manual
Roland P 55 1993 150 € PDF-Manual
AKAI SG01p 1995 130 € PDF-Manual
Roland MKS-20 1986 500 € PDF-Manual
M-Audio Accent Module 2016 250 € Download
Kurzweil Micro Piano Sound Module 2000 200 € Download
Yamaha P-50m 1996 120 € PDF-Manual
Roland P-330 1988 180 € PDF-Manual
Ensoniq SPM-1 (Samples Piano Module) 1987 180 € nicht gefunden
Synthogy Ivory II VR unbekannt 1500 € nicht gefunden

Sounds


Der Klang bis Ende der 90er Jahre ist schlicht weg sehr schlecht und unrealistisch. Ich würde daher nicht empfehlen, eines der Geräte zu kaufen, die vor 1998 herausgegeben wurden. Dies grenzt die Auswahl aber stark ein.

Alternativen


Für wen es vertretbar ist, das er neben den Piano-Sound noch etliche weitere in seinem Modul hat, der kann sich generell alle MIDI Sound-Module anschauen. Da aber in diesem Modulen keine "Spezialisierung" des ROM-Speicherplatzes auf Piano-Sounds liegt, ist der Piano-Sound von den MIDI Sound-Modulen eher mittelmäßig.

KAWAI


Selbst der große Anbieter von E-Pianos KAWAI hat bisher kein Modul auf den Markt gebracht. Das finde ich persönlich sehr schade.

M-Audio

Ich habe versucht, das Modul direkt bei M-Audio zu bestellen. Nachdem mir das Geld vom Paypal-Konto abgezogen wurde, erhielt ich eine System-Email mit folgender Information (persönliche Angaben wurden geXXXt):

Dear Mr. (XXX),

Thank you for ordering from M-Audio on January 18, 2017. The following email is a summary of your order. Please use this as your proof of purchase. If you paid by credit card, please look for DRI*M-Audio on your credit card billing statement.

Note: If your order contains download products, you can complete the download by looking up your order using the information and link below. When the order summary appears, click on the Download link next to the product name. If your order contains physical products, you will receive a separate email notification when your products have shipped.

To look up your order, please visit: www.findmyorder.com

Please note: This email message was sent from a notification-only address that cannot accept incoming email. Please do not reply to this message.

Sincerely,
M-Audio Customer Service
www.findmyorder.com


Am gleichen Tag erhielt ich eine Storno-Email:

Dear Mr. (XXX),

Thank you for ordering from M-Audio. At your request, or at the request of the fulfiller and/or the manufacturer, the following was canceled from your order.

Product Name Qty Ordered Reason for Cancellation
Accent Modu 1 Wrong Product


Your Order Information:
Order ID: (XXX)
Order Date: January 18, 2017
Shopper ID: (XXX)

If you have questions about your order, please visit: www.findmyorder.com

Please note: This email message was sent from a notification-only address that cannot accept incoming email. Please do not reply to this message.

Sincerely,
M-Audio Customer Service
www.findmyorder.com


Und den Tag darauf erhielt ich mein Geld wieder.

Warum ?

Mir ist bisher nicht klar, warum das M-Audio Accent Module nicht in Deutschland, Niederlande, Frankreich und anscheinend ganz Europa bestellbar ist. In USA und Canada konnte ich es dagegen in Online-Shops als "erhältlich" gekennzeichnet finden. Wenn es jemand weiß, dann kann er mir gerne eine Information zukommen lassen.

Freitag, 12. August 2016

Jams, Jamtracks & Jamsessions Teil II

Vorwort: In diesem Blogpost möchte ich meine Theorie vorstellen, die ich aus 15 Jahren Erfahrung als aktiver Musiker mit dem Thema Jam, Jamtracks, Jamsessions und aus den Analysen der umfangreichen Jam-Aufnahmen der Bardenflether Muckerei erlangt habe. Diese Theorie stellt keinen universalen musiktheoretischen Ansatz dar - zudem bin ich kein Musiktheoretiker - sondern soll Musikern dabei helfen, die Struktur, Prozesse und Bestandteile eines Jams zu verstehen um so mit praktischen Hilfsmitteln die Gestaltung des Jams positiv zu beeinflussen. Gedanken, Kritiken aufgrund anderer Ansichten oder Meinungen sind als Kommentar willkommen.

Jamsessions interessanter gestalten

Jamsessions beginnen meist mit einer Vorgabe von einem Musiker - sei es ein Riff, ein Beat, ein Basslauf oder eine Melodie. Andere Musiker steigen mit ein. Spätestens an dieser Stelle gibt es oft ein Problem: Es wird nur ein Riff bespielt - es gibt keine Variationen. Es entwickeln sich keine additiven Parts, Sektionen oder Phasen. Irgendwann wird es langweilig und die Musiker hören enttäuscht auf. Dafür habe ich bereits einen Post geschrieben, der viele Tipps & Tricks zum Thema Jam enthält. In diesem Post möchte ich nun in die detailliertere Analyse einsteigen und etwas über meine Theorie erzählen.

Analyse eines durchschnittlichen Jamtracks

Bezogen auf ein Jamtrack ohne vorherige Abstimmung über Struktur oder Töne/Akkorde (im Gegensatz zur Jamsession im Jazz, die auf Standards oder Absprachen basieren) lässt sich ein Jamtrack in Phasen, Sektionen und Parts einteilen.



Phasen

Die Phasen sind für alle Jam Teilnehmer gleich Bild: Es gibt verschiedene Phasen, die charakteristisch für Jamtracks sind.

Findungsphase (discover phase)

Je nach Fertigkeit, Erfahrung und Können der Musiker kann die Findungsphase mehrere Minuten dauern. Im Durchschnitt beträgt die Findungsphase 30 Sekunden bis eine Minute bei erfahrenen Musikern. Die Findungsphase verkürzt sich, wenn die Komplexität des vorgegebenen Parts gering ist und verlängert sich mit steigender Komplexität. Daher ist es ratsam, mit einem sehr einfachen Part zu beginnen, um die Findungsphase zu verkürzen. Erfahrene Jam-Musiker starten gerne mit einer eigenen Section, die schon aus 2 oder 3 unterschiedlichen Parts besteht.

Einigungsphase (unification phase)

Die Einigungsphase ist wichtig für einen Jam und bildet die Basis für alle weiteren Phasen, Sections und Parts.
Direkt nach der Findungsphase schließt sich die Einigungsphase an, in der jeder Musiker seinen passenden Part gefunden hat. Im folgenden werde ich diesen Part als Basislinie bezeichnen. Variantionshäufigkeit und Komplexität sind in der Regel in dieser Phase noch relativ gering.

Variationsphase (variation phase)

Nach der Einigungsphase beginnen die Musiker unabhängig voneinander ihre Part zu variieren. Dies charakterisiert die Variationsphase. Der Übergang zwischen Einigungsphase und Variationsphase ist meist fließend. Die Variationsphase ist der größte und längste Teil des Jams. Auch Soli, Breaks und weitere strukturelle Änderungen sind eine Variation und gehören per Definition zur Variationsphase.

Endphase (ending phase)

Das Ende kann entweder klar und schnell passieren, oder der Jamtrack läuft aus. Dazu wird Komplexität, Lautstärke und Variation so lange reduziert, bis alle Musiker aufhören.

Zum Verständnis meine Definitionen:
  • Komplexität: Wie viele Töne werden pro Takt gespielt
  • Variation: Wie viele unterschiedliche Töne haben die aufeinander folgenden Takte
Die Dynamik (Wie laut werden die Töne oder das Instrument insgesamt gespielt) lasse ich außen vor, denn die Dynamikschwankungen liegen auf einer übergeordneten Ebene und erstrecken sich über den gesamten Jamtrack, und nicht nur auf Phasen oder Sections.

Wichtig ist an dieser Stelle zu erkennen, dass ein Jamtrack im Gegensatz zu einem Song eine ganz andere Struktur aufweist. Ein nicht abgesprochener Jamtrack hat selten eine Songstruktur, aber es gibt an manchen Stellen Parallelen. Ein starker Einfluss darauf hat die Teilnahme eines oder mehrerer Sänger an der Jam.



Sections

Durch Sections kreieren die Jam Teilnehmer den Jamtrack Bild: Ein Jamtrack besteht aus unterschiedlichen Sections.

Eine Phase kann aus mindestens einer oder mehreren Sections bestehen. Globale Sections befindet sich innerhalb des Jamtracks und der Phasen. Individuelle Sections erzeugt jeder Musiker durch seine Jamteilnahme.

Globale Sections bestehen aus der Summe der individuellen Sections.

Sections stellen ein Bindeglied dar und verbinden die Phasen des Jamtracks mit den Parts der einzelnen Musiker.

Die globalen Sections in einem Jamtrack unterscheiden sich in mindestens einem der folgenden Punkte:
  • Unterschiedlicher Sound (nicht Lautstärke!)
  • Unterschiedliche Instrumente
  • Unterschiedliche Backline (Aktive Musiker)
  • Unterschiedlicher Beat
Die globale Section Einteilung dient als Richtlinie für die Analyse eines Jamtracks.

Die individuellen Sections der einzelnen Musiker unterscheiden sich nur in der Kombination verschiedener Parts.


Parts

Parts sind für jeden Jam Teilnehmer unterschiedlich.

Innerhalb der individuellen Sections gibt es die Parts - diese können auch als Takt interpretiert werden. Parts unterscheiden sich untereinander anhand ihrer Komplexität (Anzahl der Töne), der Variation (unterschiedliche Töne) und Groove/Feeling (unterschiedliche Tonlängen). Um meine Theorie an dieser Stelle zu vereinfachen, lasse ich die Dimension "Variation" und "Groove" bei Seite und konzentriere mich alleine auf die Dimension "Komplexität", um das Thema zu vereinfachen.

Die Anzahl der Parts pro Section ist klar abhängig vom Jamtrack. Die genannten Beispiel haben 8 Parts pro Section, es können aber auch mehr (12, 16, etc.) oder weniger (4) sein.

Bild: Section A in 8 Parts mit verschiedenen Varianten unterteilt

Zur Vereinfachung: Die Nummer des Parts ist der Grad ihrer Komplexität.

So beinhaltet der Part 1 wenig Komplexität durch sehr wenige Töne, während Part 4 im Vergleich zu Part 1 mehr Komplexität durch viele Töne erhält. Der Part 1 in Section A muss nicht identisch sein zum Part 1 in der Section B. So kann ich die gleiche Melodie in Section A mit einem Klavier spielen, in Section B mit einer Orgel. Obwohl sich nur der Sound verändert, bewirkt der Soundwechsel eine Änderung in der subjektiven Wahrnehmung. Der Part 1 bleibt aber in seiner Komplexität identisch.

Part Variationen in Sections

Nun möchte ich mehr ins Detail einsteigen und auf die verschiedenen Part-Variationen eingehen. Je nach Anordnung der Parts bewirken die Sections entweder Spannung oder Langeweile bei Hörern. Wird ein Part wie im unteren Bild (Section A) mehrmals hintereinander gespielt, entwickelt der Zuhörer eine gewisse Erwartungshaltung, die dann immer wieder erfüllt wird.

Bild: Langeweile pur in dieser Section A mit 8 identischen Parts

Das Resultat der stetigen Erfüllung der Erwartungshaltung ist Langeweile.

Um dies zu vermeiden, werden verschiedene Parts genutzt. Es genügen schon kleine Änderungen der Komplexität, um einen Eindruck der Abwechslung zu erreichen.
Bild: Es wirkt spannender und rund, wenn die Section A mit einem Part 2 abgeschlossen wird

Part 2 hat einen höheren Grad der Komplexität als Part 1. Dadurch wird Spannung beim Hörer erzeugt, da die Erwartungshaltung nicht erfüllt wird. Und die Section wirkt in sich rund, da die Section durch einen alternativen Part "abgeschlossen" wird.

Wir gehen noch einen Schritt weiter, und führen Part 3 ein, der eine höhere Komplexität hat als Part 2. Der Ausdruck "höhere Komplexität" ist natürlich relativ - schon eine zusätzliche Note mehr als Part 2 genügt um den gewünschten Eindruck zu erreichen.

Bild: Der Part 3 bereichert die Section A am Ende, der Part 2 rutscht in die Mitte

So entsteht ein kleiner Spannungsbogen, wobei Part 2 die erste Abwechslung bietet und Part 3 den Abschluss der Section abrundet. Wird an den Positionen 4 und 8 der Part 2 verwendet, ist der Spannungsbogen nicht identisch zu der im Bild gezeigten Version.

Dieses Prinzip hat aber seine Grenzen. Bei Übertreibung landet man schnell im Chaos, irgendwo zwischen Karlheinz Stockhausen und wilder 12-Ton Musik.

Bild: Viel ist nicht immer besser - zu viele Parts bringen Chaos und Unruhe

Der Hörer kann keine Erwartunghaltung mehr aufbauen, und die verschiedenen Parts sind zu viele. Dagegen würden 4 verschiedene Parts nacheinander, die 2 Mal wiederholt werden sicherlich besser funktionieren als das Beispiel im oberen Bild .

Wichtig ist ein Gleichgewicht zwischen Wiederholung und Überraschung.

Diese zwei Sections funktionieren super und bestehen nur aus drei bzw. vier verschiedenen Parts.

Bild: Section B in 8 Parts mit drei verschiedenen Parts

Bild: Section C in 8 Parts mit vier verschiedenen Parts

Natürlich gibt es noch viele weitere Kombinationsmöglichkeiten - hier ist eure Kreativität gefragt. Wer das Prinzip der "Phasen > Sections >Parts" verstanden hat, der sollte eine ganz anderes Sicht auf eine Jam erhalten haben.

Die Theorie in der Praxis

Klarheit in den Phasen

Als erstes sollte jedem im Jam die Phasen bewußt sein. Haben schon alle Musiker ihre Linie gefunden, oder probiert noch jemand rum? Solange die Basis nicht klar ist, läuft die Findungsphase. Wenn jemand noch rumprobiert, kann er auch schon in der Variationsphase sein, und hat damit die Einigungsphase ignoriert. Um weiteren Ärger zu ersparen, sollte er darauf hingewiesen werden das es noch eine Einigungsphase gibt, in der er seine Basislinie finden soll um einen einheitlichen Ausgangspunkt für die Variationsphase zu haben. Die Einigungsphase dient zudem dazu, den anderen Musikern seine eigene Basislinie zu zeigen - das ist später für die Orientierung untereinander sehr wertvoll! Aus meinen langjährigen Erfahrung kann ich den Tipp geben, das die simpelste Linie die Basis darstellen sollte - zum einen kann man sich später einfacher daran erinnern und schnell zur Basis zurück zu finden, und zum anderen bleibt für die anderen Musiker genug Platz, um in der Variationsphase eigene Varianten zu entwickeln.

Fazit: Überspringt jemand die Einigungsphase und steigt zu früh in die Variantionsphase ein, kann es bei den anderen Jam Teilnehmern zu Verwirrung führen

Besonders in der Einigungsphase ist es extrem wichtig, das die Augen und Ohren nicht nur bei seinem Instrument sind, sondern auch bei den anderen Jam Teilnehmern. Nur so bekommt man mit, wie die anderen Musiker ihre Basislinien gestaltet haben. Folgende Zeichen helfen, um gemeinsam aus der Einigungsphase in die Variantionsphase zu gelangen:
  • Ein Victory-Zeichen für (V)ariation
  • drei Finger hoch - für die dritte Phase "Variation"
  • einfaches Kopfnicken mit Augenkontakt zu den anderen Jam Teilnehmern wenn die eigene Basislinie steht
Absprechen bzw. Vorstellen sollte man die Phasen zu Beginn des Jams, oder wenn es bei den ersten Versuchen ohne Absprachen nicht funktioniert.
Steigt jemand unerwartet aus, oder jemand gibt per Handzeichen ein "Stopp", kann durch die selbst entwickelte Basislinie schnell wieder gestartet werden. Wenn alle Jam Teilnehmer ihre Basislinie wissen, spart man sich beim Neustart die Findungsphase komplett. Auch während und nach den Solos kann die Basislinie als Orientierung dienen.

Entwicklung der Varianten
Ausgehend von der Basislinie und mit dem Hintergrundwissen der Part-Einteilung kann man nun beginnen, die Parts zu variieren und abwechselnd einfache und komplexere Parts zu kombinieren, um interessante Sections zu kreieren. Siehe auch obigen Abschnitt "Parts".

Spielen mit Varianten
Es gibt zwei Typen von Musikern - die einen halten ihre Basislinie fest und weichen nur ungerne (oder ungewollt) ab. Die anderen variieren so stark, das die Basislinie nicht mehr erinnert werden kann und sich kein abwechslungsreiches Muster aus einfachen und komplexen Parts ergibt - sie spielen eher durchgängig ein Solo. Beide Verhalten kann man umtrainieren, wenn man sich die Parts und deren Komplexitätsgrad bildlich vor Augen vorstellt. Der Part 1 ist oft die Basislinie - nach 3 mal Part 1 spielt man eine Note mehr oder anders - und schon ist ein zweiter Part erstellt. Mindestens die Section-Variante mit den Parts 1|1|1|2|1|1|1|2 sollte jeder im ersten Jam hinbekommen. Sinnvolle Verkettungen von unterschiedlich komplexen Parts sollte man im Kopf behalten - das ist allerdings einfacher gesagt als getan. Hier hilft nur Übung und stetiges Denken in Parts.

Transponieren von Parts
Andere Akkorde und Akkordfolgen können sehr einfach genutzt werden - es müssen lediglich die Parts bzw. die Basislinie entsprechend transponiert werden. Das Part-Schema sollte unabhängig vom aktuellen Grundakkord erfolgen können. Hier ändern sich dann nur die Töne, nicht aber die Anzahl der Töne, Tondauer oder Tonlautstärke.

Dynamik entwickeln
Die Nutzung der Dynamik als Ausdruck ist in Jams sehr stark von allen Musikern abhängig. Gibt einer der Musiker "Gas" und erhöht seine Lautstärke, ziehen die anderen Jam Teilnehmer meistens mit. Hier läuft die Tondynamik sehr parallel zu der Gruppendynamik der Jam Teilnehmer. Ist einem dieser Gruppendynamik-Effekt bekannt, kann man über sein Spiel die anderen Jam Teilnehmer beeinflussen und auch den Jamtrack. Die Dynamikänderungen sollten aber innerhalb der Sections kontinuierlich passieren, und nicht abrupt - das verwirrt die meisten Jam Teilnehmer eher und funktioniert nur gut, wenn dies abgesprochen ist. Ebenfalls kann ein absichtliches heraushalten aus dem Gruppendynamik-Effekt sehr interessante Ergebnisse erzielen.

Solos

Für Solos ist der Part-Gedanke nicht gemacht - hier kann man sich mit ruhigem Gewissen dem eigenen Spiel voll und ganz widmen. Man sollte sich nur am Ende des Solos an seine eigene Basislinie erinnern - dies ist auch ein Signal an die anderen Jam Teilnehmer, dass das Solo nun abgeschlossen ist. Augenkontakt kann dies zusätzlich unterstützen.

Warum eine eigene Theorie?

In der klassischen Musiktheorie spricht man von musikalischen Parametern wie Tonhöhe, Tondauer und Tonlautstärke. Meine Theorie dient zur Beschreibung von Unterschieden innerhalb verschiedener Abschnitte. Mit den musikalischen Parametern kann weder die Anzahl von Tönen innerhalb eines Taktes (Tondichte?) noch die Unterschiede zwischen zwei Takten (Taktdifferenzen?) beschrieben werden. Und Jams basieren nicht auf geschriebenen Noten. Ich habe mir lange Gedanken zur Strukturierung und Beschreibung von Jams gemacht. Die Berücksichtigung der Tonlautstärke verwende ich nicht als Unterscheidungskriterium der Parts, denn es erscheint mir dieser Parameter nicht als sinnvoll. Beispiel: Ein Takt mit identischen Noten wird 8 mal hintereinander gespielt - nur immer lauter. Berücksichtige ich die 3 musikalischen Parameter, hätte ich 8 verschiedene Parts. Meine Theorie sieht darin eine dynamische Steigerung innerhalb einer Sektion, die aus einem einzigen Part besteht.

Das musikalische Ergebnis eines Jams kann in Noten beschrieben werden - aber nicht der Prozess und die Struktur - da während der Jam keine Noten existieren.

Wie sind eure Erfahrungen?
Lasst bitte einen Kommentar da und erzählt mir aus euren Erfahrungen mit Jams.

Mehr zum Thema "Jams, Jamtracks & Jamsessions" gibt es hier im Teil I

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